3 galleries d’art abstrait à Londres

7 juin 2018

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Trois expositions d’artistes peintres plus ou moins de ma génération essayant de contourner l’abstraction moderniste, ou du moins, utilisant quelque chose de son langage visuel pour faire leur art. Alors que pour moi, aucune des expositions ne dépasse complètement ce point de départ, ne pas frapper sur quelque chose qui semble complètement nouveau ou totalement convaincant, chacune d’entre elles contenait quelque chose de spécial.

Chez « Tintype gallery » de Londres, il y avait des peintures contemporaines et des constructions de l’artiste peintre abstrait Jost Münster. Les peintures de Münster sont délabrées, presque une abstraction géométrique de l’art populaire. Comme un art folklorique avec beaucoup de ligne qui est leur élément le plus fort. Il y avait beaucoup de motif bancal et un peu défraîchi, frappé de volupté. Souvent, cette attirance se transforme en une sorte de personnalité, le sentiment qu’une peinture ou une sculpture, ou l’image qu’elles contiennent, a un personnage de dessin animé. On en voit un peu dans l’abstraction contemporaine, une variété de la fantaisie à laquelle beaucoup d’art actuel semble s’accrocher comme une retraite des valeurs de production haut de gamme glacées de Jeff, Damien ou Gerhard. En général, il peut être facile d’attirer l’attention sur la difficulté de focaliser l’attention de manière plus abstraite, et peut être gracieusement attrayante, avec un attrait évident qui semble manipulatoire, comme si vous essayiez de voir le sourire prêt du vendeur. Munster fait en sorte que cela fonctionne, en le tenant à distance, en travaillant de façon assez abstraite.

Les peintures abstraites étaient petites, généralement orientées comme des portraits, et en accord avec la personnalité, cela fonctionnaient mieux quand l’image était en harmonie avec le format portrait, quand l’assemblage hétéroclite de lignes et de formes, formait une structure unique dans le rectangle. Un peu comme il faisait face vers l’avant, en vous regardant. Les peintures avaient des surfaces agréablement résistantes, construites à partir de plusieurs couches de peintures. Cette dureté était telle que certaines des peintures abstraites empilées à l’arrière de la galerie d’art, semblaient à peu près aussi bonnes que les meilleures accrochées aux murs. C’était également à leur avantage quand le motif était intégré à la surface, car il donnait à sa ligne une plus grande physicalité. Dans un trop grand nombre d’entre eux, il y avait le sentiment d’un formalisme sans enthousiasme, le sentiment d’une expérimentation prudente dans trop de directions, sans résolution, ou sans tirer de conclusions sur la direction à suivre.

Jost Münster

La chose la plus convaincante de l’exposition était la grande construction suspendue, faite à partir de morceaux de bambou enveloppés dans des fragments de toile de peintures abandonnées. En parlant avec le galeriste, j’ai compris que c’était un nouveau développement de Münster. Pour une précédent exposition, il avait fait une construction similaire, qui semble accrochée sur les photos comme une grille plutôt plate, contre le mur. Le travail actuel a eu l’air bien plus réussi, donnant libre cours à sa ligne de dessin animé et permettant une énergie et une tension qui ne correspondaient pas avec les toiles exposées. J’ai compris que l’intention initiale était de l’accrocher dans la fenêtre de la galerie, mais elle avait été déplacé dans le centre de la galerie afin qu’il puisse être vu des deux côtés.

L’exposition de l’artiste peintre Dominic Beattie à la Fold Gallery évoque la pureté moderniste, elle ne prête apparemment aucune attention à l’œuvre d’art en dehors d’un peu de référence historique de l’art. Bien que jolie sur la tendance, j’ai pensé que c’était probablement une mauvaise orientation que d’aller voir cette exposition. Mais son exposition était celle que j’aimais que j’aimais le plus lors de ma journée dans les galeries d’art, ce sont des choses sans aucun doute attrayantes, et il était bon de voir une telle focalisation complète sur l’invention visuelle.

Dominic Beattie

En fait, ce qui retient le travail, ce qui empêche le talent et l’inventivité de Beattie de devenir vraiment excitants, c’est un excès de pureté, ou du moins une prise de décision de bon goût. Principalement Beattie dépend trop des verticales infléchies de la construction cubiste. Je voudrais le voir briser les verticales, et permettre à son travail de se propager plus librement à travers les expos. Quelques-unes des constructions suggéraient cela (le plus intrigant en transformant sournoisement leurs formes à l’envers de sorte qu’elles devenaient subtilement impliquées dans l’espace qui les entourait), mais elles n’ont jamais vraiment franchi le pas. Briser les verticales impliquerait probablement une rupture avec son échelle très restreinte; en particulier dans le cas des constructions rayées, il n’y avait aucune raison pour laquelle elles s’arrêtaient là où elles le faisaient, pourquoi elles ne pouvaient pas continuer à 2, 3 ou même 10 fois leur hauteur actuelle ? Le risque méritait d’être pris. Une taille plus grande pourrait aussi donner l’opportunité de contraster son admirable netteté, l’habileté induisant le sourire avec laquelle il joue et enfonce ses structures avec quelque chose d’un peu plus dur, plus grand, plus choquant et finalement plus large. Certaines constructions faisaient allusion à la figuration, ressemblant à une figure humaine droite schématique ou à une tête dans un portrait.

L’exposition qui m’a le plus dérangé était celle de l’artiste peintre Alice Browne à Limoncello, le plus jeune des trois artistes peintres, bien que ce soit celui qui a été le plus longtemps sur mon radar. Je n’ai pas particulièrement aimé les peintures de Browne dans le passé. Ils paraissaient trop vagues, comme les débuts de ses peintures qui n’avaient pas les moyens ou le désir de franchir totalement le seuil et de se tenir vraiment debout. Je ne suis pas sûr que l’exposition m’a complètement conquise. Mais cela m’a retenu plus longtemps que je ne l’aurais cru, et le plus intéressant encore était que certains des tableaux abstraits à vendre sont restés dans ma tête pour le reste de la journée. On pourrait dire que Beattie et Munster se préoccupent trop étroitement de questions formelles, pour moi, Browne n’est pas assez concerné. Pourtant, je pense qu’il y a quelque chose pour les peintures, une préoccupation pour des expériences particulières, des effets de lumière ou des états émotionnels, une sensibilité distincte visible même à travers le maniement bâclé, les combinaisons de couleurs et les teintes. Browne s’intéresse à La sensation furtive, fragile et la constance avec laquelle elle s’inquiète, c’est, je pense, en sa faveur.

Alice Browne

Les peintures contemporaines de Browne fonctionnent en partie en fusionnant légèrement une demi-figuration avec les blocs de construction de base communs à beaucoup de peintures abstraites. Ou pourrais-je dire qu’elle les laisse se fondre les uns dans les autres, laissant les deux luire plus ou moins faiblement, Les rectangles qui construisent les surfaces murales d’un tableau de John Hoyland ou de Hans Hofmann deviennent des blocs grossièrement empilés les uns sur les autres, ce sont les tableaux abstraits que je trouve les plus difficiles à comprendre. Dans cette fusion du langage de l’abstraction avec la figuration, Browne ressemble à Basil Beattie, dont l’exposition à Hales que j’ai vu plus tard dans la journée. Le communiqué de presse de Hales citait Beattie se décrivant comme une sorte de symboliste, cela semblait également approprié pour Browne. Les tableaux abstraits de Beattie sont clairement plus confiants, plus accomplis que celles de Browne, ce qui devrait être attendu du travail d’un peintre abstrait avec cinq décennies d’expérience, plutôt que cinq ans. Mais le travail de Beattie me semblait une impasse, une élaboration d’un répertoire fixe de motifs qui, malgré leur contenu représentatif clair, se sentent éloignés de l’expérience vécue. Plutôt que de descendre dans une impasse, j’espère que Browne n’a pas encore vraiment commencé. Avec un peu plus de précision, un peu plus de certitude, un peu moins de confiance en des formes linéaires et figuratives de création d’espace, le sentiment de fidélité, faible mais réel, que possèdent les meilleures peintures de Browne pourrait devenir une chose digne d’attention.

Ce sens de la personnalité abstraite dans la peinture abstraite remonte à Malevich, il est peut être vu chez les modernistes mineurs et idiosyncratiques du milieu du siècle comme Auguste Herbin ou Peter Kinley, et j’en suis sûr beaucoup d’autres artistes peintres.
Je me rends compte que, comme beaucoup d’écrivains sur l’art abstrait, ils utilisent le formalisme de différentes manières, à la fois comme positif et négatif.

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